17. Христос Вседержитель (Пантократор) (середина 12 века), собор Чефалу, Сицилия. В 1131 г. король Роджер II заложил в сицилийском городе Чефалу собор, выделяющийся среди окружающей застройки своими четырёхъярусными романскими башнями. После обновлений XVI и XVII веков в интерьере собора уцелело лишь несколько византийских мозаик XII века, из которых первое место во всей Сицилии принадлежит изображению Христа Пантократора (Вседержителя) в центральной апсиде. Мозаичное изображение Христа было скорее всего создано константинопольскими живописцами и мастерами. Вседержитель или Пантократор (греч. παντοκρατωρ — всевластный) является одним из главных канонических типов изображения Христа, где Он представлен как Царь Небесный и Судия на предстоящем Страшном Суде. Сын Божий изображается в возрасте своего проповедничества и в той одежде, которую он носил в своей земной жизни — в хитоне и гиматии. Христос восседает на троне, правой рукой Он делает благословляющий жест, а левой держит свиток или книгу с законом. Если книга раскрыта, то на страницах традиционно отображают различные речения Спасителя, содержащиеся в Евангелиях. Композиция отличается строгой фронтальностью и статичностью.

18. Витражи из Шартра (12-13 вв. н.э.) Шартрский собор, Франция. Художники средневековой Франции славились своим искусством создавать целые картины из кусочков цветного стекла – витражи. Один из самых прославленных памятников живописи на стекле XIII в.- ансамбль витражей в окнах Шартрского собора во Франции. Эта коллекция почти полностью сохранилась до наших дней. Собор украшают три огромных круглых окна, называвшихся в готической архитектуре "розами", из которых каждое имеет в диаметре 12 м. Кроме того, имеется 47 таких же круглых окон ("роз") меньшего размера и 125 окон обычной формы. Этот монументальный ансамбль витражей отличается необычайным красочным богатством.

20. Фрески Джотто из Капеллы Скровеньи (1303 г н.э.), капелла Скровеньи , Падуя. Почти 700 лет назад, 25 марта 1303 года в Падуе на деньги богатого торговца Энрико Скровеньибыла возведена церковь. Для росписи ее стен фресками Скровеньи пригласил уже признанного к тому времени мастера Джотто. Посвященная Деве Марии Милосердия, то есть любви к Богу и человечеству, капелла была расписана согласно определенному плану. Ее свод уподоблен небесной тверди с золотыми звездами, с заключенными в медальоны изображениями Христа, Иоанна Крестителя, Мадонны и пророков. На стенах Капеллы история разворачивается в сценах, написанных на трех ярусах. Вверху– история жизни Девы Марии. Во втором и третьем ярусах изображена история жизни Христа и на цоколе стен – история человечества. Чтение фресок начинается со сцены “Изгнание Иоакима из храма” и заканчивается сценой “Страшный Суд”. При этом, воссоздавая эпизоды из жизни Марии и Христа, Джотто не следует строго каноническим Евангелиям и заимствует их порой из фольклора, так называемых апокрифов. Голубой цвет, “цвет небесной лазури”, используемый им в качестве фона, взывает к внутреннему миру, духовности и стремится передать людям Божье послание о гармонии и всеобщем братстве. С именем Джотто связан поворот в развитии итальянской живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства XIII в.

21. Двусторонний алтарь Маэста (Величие Богоматери) (1308-1311гг. н.э.) Museo dell' Opera del Duomo, Сиена. Основатель одной из ведущих школ в итальянской живописи XIV в. - Сиенской, Дуччо ди Буонинсенья работал во Флоренции и в Сиене. В своих произведениях художник следовал византийским прототипам, но его искусство было уже проникнуто новой духовной атмосферой, складывавшейся в Италии XIII - начала XIV в. Образы Дуччо получили более мягкую трактовку, тонкую эмоциональность, в них очевидно отступление мастера от строгих византийских канонов. Художник наделял своих персонажей одухотворенной красотой, в которой заметно проявление чувственности. Его работы отличают подчеркнутая изысканность цветовой гаммы, мягкость тонов, плавность линий и спокойная ритмика композиции. Сказанное справедливо и по отношению к знаменитому двухстороннему алтарю, созданного Дуччо в 1308-1311, - "Маэста" ("Величие Богоматери"). Это один из самых грандиозных памятников итальянского искусства XIV в. Кроме центральной части, собственно "Маэста", он включал 53 композиции, посвященные жизни Марии и Иисуса Христа, 16 изображений пророков и апостолов.

24. Настенные росписи в церкви Сан-Франческо в Ареццо (1454-1458 гг. н.э.) Сан-Франческо, Ареццо, Италия. Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа - его фрески в алтаре церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452–1466 гг.). Они посвящены истории креста, на котором был распят Христос, рассказанной в популярной в то время «Золотой легенде» Якопо де Ворад-жине, итальянского монаха XIII в. В узкой готической капелле с высоким окном художнику пришлось расположить фрески в три яруса. Он выбрал из многочисленных эпизодов легенды ключевые: от самого начала - когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама прорастает священное дерево (фреска «Смерть Адама»), до конца - когда византийский император Ираклий торжественно возвратил христианскую реликвию в Иерусалим. В размещении сцен мастер не следовал строго за нитью повествования, а стремился создать общее композиционное единство, фресковый ансамбль, рассчитанный на единовременное обозрение. Фрески производят необычайно сильное первое впечатление. Алтарь из-за сочетания почти не приглушённых тенями красок - голубых, розовых, светло- и тёмно-зелёных, жёлтых и вишнёво-красных - кажется залитым светом. Господствуют голубые и синие тона - даже вороные лошади написаны тёмно-синим, а не черным. При первом взгляде живопись выглядит плоскостной, но затем становится понятна её объёмно-пространственная основа. Сочетание объёмности и в то же время плоскостности в изображении - одна из удивительных особенностей искусства Пьеро делла Франческа, который, строго соблюдая законы перспективы, не создавал иллюзии глубины пространства. Даже здания на фресках располагаются не под углом, а в фас. Художник часто ставил в профиль фигуры, приближая их к переднему плану, предпочитал закруглённые силуэты и чёткие, лёгкие, плавные линии.

23. Статуя богини Коатликуэ (15 в.н.э.), Национальный музей антропологии, Мехико. В мифологии ацтоков Коатликуэ (Коатлике) - богиня земли и огня. В ней одновременно заключено начало и конец жизни. Самая известная статуя Коатликуэ, найденная в 1790 г. в Мехико, сочетает в себе человеческие и зооморфные черты, изображая богиню Земли во всей её мощи и величии, Статуя высечена из цельного куска базальта. Имеющий отдаленное сходство с человеческим изображением, этот идол действительно производил устрашающее впечатление. «Голова» его состояла из двух змеиных голов, смотрящих друг на друга, «руки» тоже были похожи на змей, как и драпировка, в которой угадывался еще силуэт крыльев хищной птицы. «Ноги» напоминали лапы ягуара, готового вонзить когти в свою жертву. Над огромной деформированной «грудью» висело скульптурное «ожерелье» из черепов и сердец, а также отрубленные руки, торчащие из «тела». Одежда статуи состоит из отрубленных человеческих рук и сердец, пряжкой пояса является череп, символизирующий то, что тела людей после их смерти окажутся в земле, а юбку образуют змеи, способные проникать в подземное царство. Руки и ноги богини украшают мощные ногти, напоминающие орлиные, с помощью которых Коатликуэ выкапывает могилы, а груди изображены обвислыми после вскармливания детей. Странный и пугающий, этот образ богини жизни и смерти, непонятным образом перекликающийся с индуистским божеством Кали, был при этом выполнен с большим искусством. Кто бы ни создал эту скульптуру, мастерство его не ниже, чем мастерство лучших скульпторов Древнего Египта, Европы или Дальнего Востока. Статуя производила настолько пугающее впечатление, что мексиканские власти в начале прошлого века решили просто поскорее снова предать статую земле.

26. Сад камней, храм Рёандзи (конец 15 века н.э.), Киото, Япония. Сад Дзен в буддийском храме рёандзи - наиболее примечательный пример так называемого японского "сада камней". С точки зрения европейца он представляет собой не более чем каменную инсталляцию на поверхности из белого песка. Сад камней - это форма японского сада, которая имеет начало в философии дзен-буддизма. Чаще всего сады камней расположены возле храмов и составляют продолжение интерьера, где пространство сада образует место умиротворенного созерцания. Считается, что первый сад камней был построен знаменитым мастером дзен-буддизма Соами (1480-1525) именно в Рёандзи. Садом является небольшая прямоугольная площадка (с востока на запад 30 метров и с юга на север10 метров). На площадке расположены 15 камней, которые собраны в пяти группах. Если смотреть на камни из храмового павильона с того места, где традиция предписывает созерцать сад, то можно обнаружить, что кажущееся беспорядочное расположение камней обладает гипнотическим воздействием на человека. Созерцание камней позволяет сосредоточиться и обрести спокойное состояние предрасполагающее к медитации. Храм Рёандзи был построен в 15 веке и с тех пор люди замечают в расположении сада некую неизвестную загадку, которая проявляется в восприятии необъяснимой и таинственной гармонии. В расположении сада видели разнообразные зрительные ассоциации, но композиция сада не может быть объяснена простыми аналогиями с предметами окружающего мира. Дзен-буддисты видели в красоте сада проявление непостижимой природы бытия, но в действительности гармония природы является законом мира и имеет объяснение в определенных геометрических закономерностях.

27. Статуя Давида, Микеланджело (1504 г.), Флоренция. Величественному идеалу мужской крастоты – статуе Давида работы Микеланджело – уже более 500 лет. Статуя, достигающая в высоту 4,3 метров, изваяна из цельного куска белого каррарского мрамора. Мастер изобразил Давида не в виде обычного для того времени хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали до него. Герой скульптора - прекрасный, атлетически сложенный гигант в момент перед сражением, полный уверенности и грозной силы. Статуя является лучшим творением Микеланджело, и она была первой бронзовой статуей изображавшей обнаженного человека со времен Античности.

29. Ардабильский ковер (1539-1540гг. н.э.), Лондон. Самый большой и наиболее сохранившийся из всех ныне существующих восточных ковров. На безукоризненно сотканном гиганте ручной работы (размер – 11Х5 метров) присутствуют цветочные и абстрактные мотивы.

30. Диана и Актеон (1556-1559 гг.н.э.), шотландская национальная галерея, Эдинбург. Ничто не может так точно передать оттенки кожи, как масляные краски. Тициан был истинным певцом плоти: он поднял до новых высот традиционное для венецианских живописцев искусство колорита. Тициан в совершенстве владел масляной живописью и был первым мастером, наиболее полно использовавшим её художественные возможности; последние работы Тициана отличает поразительно свободная манера письма. Поздняя живопись Тициана - это новый взлет творчества мастера. Его мазок становится объемней, цвет насыщенней, а градации цвета более сложными и тонкими. Это одна из семи мифологических картин, написана Тицианом по заказу Филиппа II Испанского в период между 1550 и 1562 годами. Сюжеты для них взяты из поэмы Овидия «Метаморфозы». Одна из метаморфоз произошла со страстным охотником Актеоном. Отправившись однажды на охоту, он неожиданно вышел к реке, где, окруженная нимфами, купалась богиня Диана. Диана, разгневанная тем, простой смертный посмел увидеть ее обнажененной превратила несчастного в оленя, которого разорвали на куски собственные собаки Актеона. Это полотно фиксирует момент всеобщего замешательства неожиданной встречи. У Тициана есть и "вторая серия" этой истории. На его картине, хранящейся ныне в Национальной галерее в Лондоне, Актеон, уже в оленьем обличий, пытается спастись от собственных псов. Диана написана Тицианом столь красочно и чувственно, что, по мнению большинства искусствоведов, должна возглавлять вереницу многочисленных женских образов художника.